La musique électronique est partout, mais faut-il avoir des connaissances particulières pour en faire ? Que faut-il pour bien débuter ? Nous allons essayer de répondre à ces questions dans cet article.

Un peu d’histoire :

Après sa naissance dans les années 70 avec Kraftwerk ou le I Feel Love de Donna Summer et Giorgio Moroder, les deux décennies suivantes la verront muter sans cesse, de la house de Chicago à la techno de Detroit en passant par la culture rave, mais c'est à partir de la fin des années 2000 et la prise de pouvoir de l'électronique sur la culture populaire américaine que le sigle EDM devient incontournable. Les artistes qui émerge comme les Daft Punk, David Guetta, Modjo et son fameux titre “Lady”

Donna Summer - I Feel Love [Studio Version] - YouTube         Daft Punk - One More Time (Official Video) - YouTube

L’EDM définit une variété de genres de musique électronique entièrement composés pour danser et principalement joués dans des clubs, discothèques…. Ce n'est pas un genre musical à proprement parler mais une variété de sous genres musicaux touchant à la musique électronique sur lesquels l'auditeur peut danser. (House, Techno, Dubstep, trance, rave, electro pop,....)

Alors que faut-il aujourd’hui pour faire de l’edm et de quoi ai-je besoin ?

Dans le passé, vous aviez besoin d'argent, de relations ou d’un talent fou pour faire de la musique électronique. De nos jours, vous n'avez pas besoin de tout cela. Au départ il n’y a pas besoin d’un studio ou d’équipements hors de prix.

Tout ce dont vous avez besoin :

- Un Ordinateur

- Un DAW (DIGITAL AUDIO WORKSTATION)

- Un casque et/ou une paire de monitoring (connectées à votre ordinateur via une interface audio)

- Une interface audio (Vous pouvez très bien faire de la musique avec la carte son qui est livrée avec votre ordinateur mais il est préférable d’avoir une carte son pour une meilleur qualité d’écoute)

- Être déterminé et patient.

L’étape de sélection des contrôleurs et hardware vient ensuite lorsque vous souhaitez avoir plus de contrôle physique sur votre logiciel, lorsque vous souhaitez faire du live ou lorsque vous voulez apporter des sonorités venant de machines particulières. Cependant pour débuter vous pouvez optionnellement vous procurer un clavier MIDI, il y’en à des tonnes sur le marché.

Je recommande Ableton Live comme DAW.

Il est compliqué pour moi de faire une recommandation définitive, mais je vais quand même le faire. Tout d'abord, parce que si je ne le fais pas, beaucoup d'entre vous qui lisez ceci passeront des jours, voire des semaines, débilitants sur quel DAW utiliser. C'est un temps précieux perdu qui pourrait être consacré à faire de la musique. Deuxièmement, parce qu'il existe une tonne de ressources pédagogiques pour Ableton Live que vous pouvez retrouver sur YouTube ou des articles. Ableton a également une fenêtre Live (vue session), vous permettant d'écouter des boucles et de jouer avec les effets en temps réel.

En gros, tu peux reconfigurer totalement ton morceau en cours de lecture. C’est très pratique pour ceux qui font des prestations sur scène, mais aussi pour tester tes idées en home studio. Obtenez l'édition standard si vous pouvez vous le permettre. Il durera toute une vie. Sinon, commencez par la version d'introduction (79€). Sachez simplement qu'elle a des limites.

● A l’horizontale, tu as les différentes sections de ton morceau : couplet, refrain, pont, etc

● A la verticale, tes pistes instruments. (audio ou midi). Tout est optimisé pour être intuitif et rapide à l'œil.

Renseignez-vous sur la théorie de la musique.

Même si vous pouvez jouer des instruments électroniques ou composer de la musique directement sur votre ordinateur sans avoir fait du solfège, il vaut mieux quand même avoir quelques notions pour faire des arrangements plus harmonieux et repérer des erreurs dans vos compositions. Il y a des tonnes d'articles et de vidéos pédagogiques sur le web qui pourront vous aider.

Processus de composition d’un morceau de musique électronique 

1 / Recherche d’idée

Il y a énormément de façon de composer, chaque artiste est différent et possède son approche unique. Toutefois vous passerez forcément par 4 étapes lors de la création de votre morceau. Que vous ayez une idée en tête ou non, vous commencerez par réunir les différents ingrédients qui composeront votre morceau. Ces ingrédients sont en fait des instruments, des samples, des percussions et des effets.

Il est assez courant de commencer par créer une boucle de 8 ou 16 temps. Le but est d’ajouter progressivement des éléments dans cette boucle pour construire un ensemble de sons harmonieux et cohérents. Selon votre inspiration vous pourrez commencer par les percussions telles que les kicks, les toms, les hihats, les snares et autres. Vous vous créerez une base rythmique solide qui pourra être utilisée tout au long du son. Sur cette base rythmique vous pouvez si besoin y ajouter des mélodies, des pads, des nappes ou encore des drones à l’aide d’instruments virtuels ou samples. A la fin de cette étape vous devrez obtenir une boucle constituée de rythmiques et de mélodies prête à être utilisée, dupliquée ou encore triturée… Comment savoir quand passer à l’arrangement ? Vous pourrez passer à l’étape suivante lorsque vous sentirez que vous avez assez d’éléments et que l’ajout d’instruments supplémentaires surchargerait votre morceau.

2 / L’arrangement

En musique, le mot « arrangement » est employé d'une manière vague pour désigner toutes les adaptations possibles d'une œuvre. Le plus souvent, cette adaptation est destinée à faciliter l'exécution, en transcrivant l'œuvre soit pour un nombre d'instruments plus restreint, soit pour des instruments usuels.

L’introduction

L’introduction de votre morceau sera chargée de poser l’ambiance, d’amener la mélodie ou de donner envie d’écouter la suite. C’est une des parties les plus importantes.

Le couplet

Le couplet est la partie dédiée à faire évoluer le morceau. Sa caractéristique principale est d’être différent à chaque nouvelle exposition ce qui permet de faire progresser et d’enrichir le contenu du morceau.

Refrain (Chorus en Anglais) 

Le refrain contient l’idée principale, ou l’image d’ensemble, de ce qui s’exprime sur le plan lyrique et musical. Il est répété tout au long de la chanson, et ses éléments varient peu. L’apogée d’un morceau est souvent atteinte pendant un refrain.

Pont (Bridge en Anglais)

Le pont est un “outil” utilisé pour rompre le motif répétitif de la mélodie et garder l’attention de l’auditeur. Généralement à ¾ de morceau, il peut être complètement différent de la mélodie initiale et permet l’originalité.

Le break 

Le break est une section délibérément déconstruite et minimaliste. Elle peut arriver de façon brusque ou progressivement et le kick et les basses fréquences y sont souvent absentes. Elle permet de réduire ou augmenter l’énergie pour introduire la partie suivante plus contrastante (souvent un drop).

Le cut 

Le cut est un court break. Il est parfois utilisé pour introduire la partie suivante mais de façon plus rapide que le break.

Le drop 

C’est la réintroduction du kick et/ou de la ligne de basse après un break. C’est souvent la partie prisée des DJ car elle procure une grande émotion lorsque le morceau est joué sur un gros système son.

Le climax 

C’est le moment où l’énergie du morceau est la plus grande. Il y’a souvent beaucoup d'éléments et l’émotion principale du morceau est intense.

Exemples de structures de morceaux :

Intro – Couplet – Refrain – Couplet – Refrain – Pont – Refrain – Outro

Couplet – Refrain – Couplet – Refrain

Couplet – Couplet – Pont – Couplet

Intro – Couplet – Refrain – Couplet – Refrain – Couplet – Refrain – Pont – Refrain – Outro

La meilleure technique pour vous entraîner et obtenir de bonnes structures de morceaux c’est d’étudier vos morceaux préférés et utiliser des morceaux de référence. Le but n'est absolument pas de copier le morceau de référence mais de s’en inspirer.

3. Le Mixage

Le mixage consiste à équilibrer le volume et les fréquences d'un certain nombre de sources audio, ces sources audio proviennent de microphones, de sources MIDI ou encore de sons synthétisés par un ordinateur ou un synthétiseur. Cela à pour objectif d'harmoniser les différentes pistes.

4. Le Mastering

Le mastering est la dernière étape de production d’un titre ou d’un album avant que ce dernier ne soit commercialisé. Cela sert aussi à apporter une cohérence sonore à un album, le fait que les différents titres forment un tout homogène sur le plan de la dynamique du spectre ou de l’image stéréo. Un article concernant ce sujet à déjà été rédigé sur le site je vous invite à le consulter.

https://www.studiocandp.com/blog/post/quest-ce-que-le-mastering/15

Quelques conseils pour la conclusion de cet article :

- Lorsque vous travaillez sur la production musicale, évitez toute distraction et assurez-vous de ne pas éviter les tâches difficiles.

- Faites d'abord les choses difficiles. Appliquez-vous.

- Ne cherchez pas des plugins miracle commencer à maîtriser vos outils de base. N'oubliez pas que plus le choix est grand, plus les décisions sont difficiles à prendre.

- Adaptez vous avec ce que vous avez sous la main.

- Il n’y a pas de mal à faire des erreurs. Ça s’appelle apprendre.