Faut-il avoir des connaissances particulières pour faire de la musique électronique ? Comment bien débuter ? Nous allons essayer de répondre à ces questions.

I. Un peu d’histoire

La musique électronique est née dans les années 70, notamment avec le groupe Kraftwerk ou "I Feel Love" de Donna Summer et Giorgio Moroder. Les deux décennies suivantes l'ont vu se développer sans cesse, de la house de Chicago à la techno de Detroit à la culture rave. Mais c'est à partir de la fin des années 2000 et la prise du pouvoir de l'électronique sur la culture populaire américaine, que le sigle EDM devient incontournable. Des artistes émergent comme les Daft Punk, David Guetta et Modjo avec son fameux titre “Lady”. 

L’EDM (Electronic Dance Music) définit une variété de genres de musiques électroniques entièrement composées pour danser dessus et principalement jouées dans des clubs et dans des discothèques. Ce n'est pas un genre musical à proprement parler, mais une variété de sous-genres musicaux touchant à la musique électronique (House, Techno, Dubstep, trance, rave, électro pop,....).

II. Comment faire de l'EDM aujourd'hui ?

Dans le passé, nul n'avait besoin d'argent, de relations ou d’un talent fou pour faire de la musique électronique. De nos jours, vous n'avez pas besoin de tout cela. Vous pouvez commencer sans studio, sans équipements et à moindre coût.

Le matériel

- Un Ordinateur
- Un DAW (Digital Audio Workstation)
- Un casque et/ou une paire de monitoring (connecté à votre ordinateur via une interface audio)
- Une interface audio (Vous pouvez très bien faire de la musique avec la carte son livrée avec votre ordinateur mais il est préférable d’avoir une carte son pour une meilleure qualité d’écoute)

Pour les lives et pour apporter des sonorités venant de machines particulières, vous devez sélectionner les contrôleurs et les hardware afin d'avoir davantage de contrôle physique sur votre logiciel. Cependant, pour débuter, vous pouvez optionnellement vous procurer un clavier MIDI, il y en a des tonnes sur le marché.

Ableton Live comme DAW.

Il existe une tonne de ressources pédagogiques pour Ableton Live que vous pouvez retrouver sur YouTube ou dans des articles. Ableton a également une fenêtre Live (vue session) vous permettant d'écouter des boucles et de jouer avec les effets en temps réel.

En gros, tu peux reconfigurer totalement ton morceau en cours de lecture. C’est très pratique si tu fais des prestations sur scène, mais aussi pour tester tes idées en home studio. Si vous en avez les moyens, je vous recommande l'édition standard que vous aurez à vie. Sinon, commencez par la version d'introduction (79€). Sachez simplement qu'elle a des limites.
● A l’horizontale, tu as les différentes sections de ton morceau : couplet, refrain, pont, etc
● A la verticale, tes pistes instruments ( audio ou midi ). Tout est optimisé pour être intuitif et rapide à l'œil.

Renseignez-vous sur la théorie de la musique.

Même si vous êtes capable de faire de la musique sans avoir fait de solfège, il vaut mieux quand même avoir quelques notions pour créer des arrangements plus harmonieux et repérer des erreurs dans vos compositions. De nombreux articles et vidéos pédagogiques sur le web pourront vous aider.

III. Processus de composition d’un morceau de musique électronique 

1 / Recherche d’idée

Il y a énormément de façons de composer, chaque artiste est différent et possède son approche unique. Toutefois, vous passerez forcément par 4 étapes lors de la création de votre morceau. Que vous ayez une idée en tête ou non, vous commencerez par réunir les différents ingrédients qui composeront votre morceau. Ces ingrédients sont en fait des instruments, des samples, des percussions et des effets.

Il est assez courant de commencer par créer une boucle de 8 ou 16 temps. Le but est d’ajouter progressivement des éléments dans cette boucle afin de construire un ensemble de sons harmonieux et cohérents. Selon votre inspiration, vous pourrez commencer par les percussions telles que les kicks, les toms, les hihats, ou encore les snares. Vous vous créerez une base rythmique solide qui pourra être utilisée tout au long du morceau. Sur cette base rythmique, vous pouvez si besoin, y ajouter des mélodies, des pads, des nappes, ou encore des drones, à l’aide d’instruments virtuels ou de samples. A la fin de cette étape, vous devrez obtenir une boucle constituée de rythmiques et de mélodies prêtes à être utilisées, dupliquées ou encore triturées… Quand faut-il passer à l’arrangement ? Vous pourrez passer à l’étape suivante lorsque vous sentirez que vous avez assez d’éléments et que l’ajout d’instruments supplémentaires surchargerait votre morceau.

2 / L’arrangement

En musique, le mot « arrangement » est employé d'une manière vague pour désigner toutes les adaptations possibles d'une œuvre. Le plus souvent, cette adaptation est destinée à faciliter l'exécution, en transcrivant l'œuvre soit pour un nombre d'instruments plus restreint, soit pour des instruments usuels.

L’introduction

L’introduction de votre morceau amène l’ambiance, la mélodie et doit donner envie d’écouter la suite. C’est une des parties les plus importantes.

Le couplet

Le couplet est la partie dédiée à faire évoluer le morceau. Sa caractéristique principale est d’être différent à chaque nouvelle exposition, ce qui permet de faire progresser et d’enrichir le contenu du morceau.

Refrain (Chorus en Anglais) 

Le refrain contient l’idée principale, l’image d’ensemble de ce qui s’exprime sur le plan lyrique et musical. Il est répété tout au long de la chanson, et ses éléments varient peu. L’apogée d’un morceau est souvent atteinte pendant un refrain.

Pont (Bridge en Anglais)

Le pont est un “outil” utilisé pour rompre le motif répétitif de la mélodie et garder l’attention de l’auditeur. Généralement, à ¾ de morceau, il peut être complètement différent de la mélodie initiale et permet l’originalité.

Le break 

Le break est une section délibérément déconstruite et minimaliste. Elle peut arriver de façon brusque ou progressive, et le kick et les basses fréquences y sont souvent absentes. Elle permet de réduire ou d'augmenter l’énergie pour introduire la partie suivante plus contrastante (souvent un drop).

Le cut 

Le break est une section délibérément déconstruite et minimaliste. Elle peut arriver de façon brusque ou progressive, et le kick et les basses fréquences y sont souvent absentes. Elle permet de réduire ou d'augmenter l’énergie pour introduire la partie suivante plus contrastante (souvent un drop).

Le drop 

Le drop est la réintroduction du kick et/ou de la ligne de basse après un break. C’est souvent la partie prisée des DJ car elle procure une grande émotion lorsque le morceau est joué sur un gros système son.

Le climax 

C’est le moment où l’énergie du morceau est la plus grande et où l’émotion principale du morceau est intense.

Exemples de structures de morceaux 

Intro – Couplet – Refrain – Couplet – Refrain – Pont – Refrain – Outro
Couplet – Refrain – Couplet – Refrain
Couplet – Couplet – Pont – Couplet
Intro – Couplet – Refrain – Couplet – Refrain – Couplet – Refrain – Pont – Refrain – Outro
La meilleure technique pour vous entraîner et obtenir de bonnes structures de morceaux, c’est d’étudier vos morceaux préférés et d'utiliser des morceaux de référence. Le but n'est absolument pas de copier le morceau de référence mais de s’en inspirer.

3 / Le Mixage

Le mixage consiste à équilibrer le volume et les fréquences d'un certain nombre de sources audio ; ces sources audio proviennent de microphones, de sources MIDI ou encore de sons synthétisés par un ordinateur ou un synthétiseur. Cela a pour objectif d'harmoniser les différentes pistes.

4 / Le Mastering

Le mastering est la dernière étape de production d’un titre ou d’un album avant que ce dernier ne soit commercialisé. Son utilité réside également dans l'apport d'une cohérence sonore à un album où les différents titres forment un tout homogène sur le plan de la dynamique du spectre ou de l’image stéréo.
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Quelques conseils pour conclure

Le mastering est la dernière étape de production d’un titre ou d’un album avant que ce dernier ne soit commercialisé. Son utilité réside également dans l'apport d'une cohérence sonore à un album où les différents titres forment un tout homogène sur le plan de la dynamique du spectre ou de l’image stéréo.
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